Rob Scholte - GRAND! -2006- Sérigraphie -La Peur !- édition limitée (50/111) signée au crayon

• Très grande sérigraphie de Rob Scholte. Titre : La Peur ! Année : 2006. Tirage : 50/111. Dimensions feuille : H122 x l80cm. Dimensions de la représentation : H69,5 x L70cm. L'œuvre est signée, titrée, datée et numérotée par l'artiste dans la marge blanche en bas. L'authenticité de cette œuvre est entièrement garantie.

Rob Scholte est un représentant du postmodernisme. Et si tout a déjà été fait dans l'histoire, vous pouvez citer et combiner à votre guise dans un mélange personnel de couches et de blagues vertigineuses que Scholte lui-même appelle « cubisme significatif ». Le travail de Scholte tourne en grande partie autour des médias, de leur effet sur nous et de la manière dont ils peuvent être manipulés. Les thèmes sous-jacents sont la valeur, l’argent et le pouvoir. Il provoque de manière insaisissable : par exemple avec l'idée de l'artiste qui peut imprimer de l'argent comme une banque, exprimée dans sa série de sérigraphies sur l'argent du monopole, tout en parsemant de citations telles que : « Je suis commercial comme la peste ! Les expressions médiatiques servent souvent d’inspiration. Dans une de ses premières œuvres, par exemple, il reproduit méticuleusement un article de journal critiquant ses méthodes de travail en tant qu’artiste. Scholte prend souvent une image des médias de masse et lui donne un contexte complètement nouveau. La distinction entre haute et basse culture n’est pas pertinente ici. L'art et la vie réelle peuvent être très proches l'un de l'autre, comme dans le cas du héros de Scholte, Duchamp, mais à partir d'un contexte significatif. Des tapis tissés inspirés de la « gitane en pleurs » pourraient tout aussi bien constituer la base de son travail qu’une citation d’un tableau de Manet ou de Titien. En tant que collagiste, il transforme par exemple des emballages de biens de consommation en compositions. Les brochures publicitaires et le signe du droit d'auteur ont également constitué la base de ses peintures. Pour Scholte, la reproductibilité était un plus. Il fait une première sélection dans ses archives d’images et élabore un plan. Avec ses assistants, il élabore ce plan de manière traditionnelle pour en faire une nouvelle image souvent reproductible, à laquelle il appose ensuite une signature. Scholte ne voit pas son rôle d’artiste comme celui d’un génie tourmenté travaillant seul dans une chambre mansardée sur des chefs-d’œuvre incompris, mais comme celui de quelqu’un qui est dans la fleur de l’âge. Il voulait rompre avec la génération d’artistes qui l’avait précédé, comme Jan Dibbets, Stanley Brouwn et On Kawara. Comme l'un de ses grands exemples : Max Ernst, il considère comme une qualité importante le fait de ne pas se trouver soi-même, de ne pas s'engager dans un style personnel sans cesse répété. Il repousse continuellement ses limites vers de nouveaux horizons insaisissables, laissant la critique d’art (espérons-le) confuse. Cela peut également être fait avec un clin d'œil. Pour Scholte, l’humour est essentiel et Laurel et Hardy sont au moins aussi grands philosophes que Wittgenstein. Il transforme également des éléments autobiographiques en nouvelles images, comme dans sa série « Bergensche School – 13 vues de village », qui a un lien avec sa jeunesse : il a grandi dans des villages du nord de la Hollande. L'artisanat et le savoir-faire sont également d'une importance essentielle pour Scholte. Mais l’œuvre de Scholte n’est pas dénuée de message. Le nouveau contexte d’une image peut aussi exprimer une critique, par exemple. La combinaison même de la superposition et l’absence presque totale d’une signature personnelle dans l’exécution techniquement avancée est un commentaire sur le culte des émotions personnelles profondes parmi les artistes des générations précédentes. L’exécution techniquement parfaite conduit à une aliénation qui donne à l’œuvre une qualité presque anonyme et constitue donc un commentaire sur le mythe de l’artiste. Cela inclut également le recours à des assistants ou l’utilisation de projections et de modélisations informatiques comme aides. En même temps, un Vermeer techniquement parfaitement exécuté est également capable de vous faire vivre autre chose : une superposition qui ne gêne en rien l'exécution technique. De même qu’un Rembrandt qui se trouve être en grande partie exécuté par Gerard Dou peut toujours être un Rembrandt : une expression de sa vision de l’œuvre.